Der Künstler

Mark Harrington wurde 1952 in Bakersfield, Kalifornien, geboren. Er wuchs zwischen Nordkalifornien und dem Westen Englands auf, in das seine Familie 1966 übersiedelte.

Er schloss 1975 ein B.A.-Studium der Bildhauerei mit Kunstgeschichte am Sheffield Polytechnic ab und schloss 1977 ein M.A.-Studium der modernen englischen Literatur (mit Schwerpunkt Ästhetik und Geschichte der Kunstkritik) an der University of Reading ab.

Zwischen 1979 und 1999 hatte Harrington Lehraufträge in Südengland (Portsmouth), Spanien (Barcelona) und Norwegen (Bergen und Kabelväg). Von 1997 bis 1999 war er Direktor der Nordland Kunst og Filmskaie auf den Lofoten. 2000 erhielt Harrington ein Stipendium als Artist-in-Residence des Kulturreferats München. Seit 2001 unterhält er Studios auf dem Land südlich von München und stellte in Europa und den USA aus. 

Erklärung des Künstlers

Auszug aus einem Gespräch mit Wilhelm Warning (Küste zu Küste, 2002)

Harrington: 

... Es gibt eine Nostalgie für Malerei, die mit dem Pinsel gemacht wird, aber ich möchte nicht, dass die Signatur des Pinsels Teil der endgültigen Summe der Bedeutung des Bildes ist. Sobald die Farbe auf die Leinwand gebracht ist, zieht sich der Pinsel zurück, und die Farbe wird mit gerillten und gekämmten Instrumenten über die Oberfläche gezogen. Und es ist das Autogramm dieser Instrumente, das das Hauptmerkmal des Gemäldes ist. Vergleicht man meine heutigen Gemälden mit Werken, die erst zwei Jahre alt sind oder bis in die Mitte der neunziger Jahre zurückreichen, so sieht man einen großen Kontrast im Charakter der linearen Struktur, die früher sehr dicht war, mit buchstäblich hunderten, vielleicht sogar tausenden von schlanken Linien. Jetzt könnten die Linien an den Fingern zweier Hände, einer Hand, abzählbar sein.

Warning: 
- oder sogar verschwinden.

Harrington:
Die Betonung liegt nun auf der Offenheit des Raums, und die Linie ist als Kontrapunkt zu ihrer Abwesenheit da. Sie ist da und sie ist nicht da. Ich denke, die Bilder laden jetzt zu dieser Überlegung ein. Natürlich sind die linearen Strukturen eher horizontal als vertikal. Es wären sehr unterschiedliche Bilder, wenn diese Strukturen vertikal wären. Aber während die lineare Struktur horizontal ist, ist in vielen der jüngsten Gemälde die Gesamtfläche für Matte ein vertikales Rechteck, und diese Polarität zwischen diesen beiden Faktoren - die Horizontalität des Raumeindrucks und die Architektur des Formats - ist eine Spannung, der ich nachgehen möchte. Es ist nicht so einfach, in den Raum dieser Bilder zu schlüpfen, aber es besteht die Möglichkeit, hineinzukommen, denn sie sind völlig abstrakt. Aber in dieser Abstraktion gibt es eine Art Dialektik. Diese Abstraktionen geben Ihnen das Gefühl einer tieferen Bedeutung hinter der Oberfläche: - es gibt eine Oberfläche, die Ihnen sagt: ""Ich bin ein abstraktes Bild"", aber es gibt eine Tiefe, einen Raum, der etwas anderes ist, der Ihnen etwas bedeutet. Es sind ungegenständliche Gemälde, also abstrakt im klassischen Sinne, wie wir dieses Wort zu verwenden pflegen. Aber natürlich ist das Wort selbst ein Fehler. Der Begriff selbst ist in Bezug auf Gemälde dieser Art fehlerhaft, weil er keine Abstraktion von etwas anderem ist. Es ist eine isolierte physische Realität, die keine Assoziationen hat, aber sie werden für Assoziationen zugänglich, die der Betrachter entdecken kann. Und ich als Künstlerin habe einige Assoziationen, die ich an sie knüpfe, obwohl meine Assoziationen für den Betrachter völlig willkürlich sein können. Ich denke, es ist Teil der Strategie dieser Bilder, dass dies so sein sollte.

Warning:
Eines der Rätsel in diesen Bildern ist der Unfall.

Harrington:
Es ist nicht offensichtlich, dass die Gemälde mit dem Pinsel gemalt wurden, aber die Gemälde wurden mit einem Nachweis von Handarbeit hergestellt. Ich sage das, weil es in der nicht objektiven Malerei einige Traditionen gibt, in denen man sich sehr deutlich bemüht, jeden Hinweis auf die Hand auszulöschen, und meine Bilder sind ganz eindeutig nicht in diesem Lager. Sie folgen einer anderen Tradition. Sie sind nur unkonventionell in Bezug auf die Werkzeuge, die zu ihrer Herstellung verwendet werden. Sie sind also eine Offenbarung der Handarbeit, und der Zufall ist eine vorweggenommene und gewollte Facette ihres Prozesses, in dem Sinne, dass ich zwar eine Vorstellung von den Handlungen habe, die ich vornehmen werde, aber die Ergebnisse dieser Handlungen nicht in allen Fällen genau bekannt sind, bis die Handlung stattgefunden hat. Es gibt ein voraussichtliches Zufallsereignis. Es ist tatsächlich gesucht, aber es wird auch kontrolliert, denn sonst würde es die Strategie des Bildes überfordern. Tatsächlich würde es das Gemälde entführen. Ich mache mir die Kraft des Unfalls zunutze, damit er meine Absichten nicht in Frage stellt, und ich versuche nicht, Bilder zu malen, die perfekt sind. Mir geht es darum, mit den von mir gewählten Materialien zusammenzuarbeiten, so dass es Beweise für ihren Ungehorsam gegenüber meinen Strategien gibt. Ich glaube, wenn die Bilder perfekt funktionieren würden, wären sie tot. Es sind diese Ungehorsamkeiten und die ständige Bedrohung durch den Ungehorsam, die jedem Bild eine Chance zum Leben geben. Der Rhythmus ist ein Bestandteil dieser Bilder, das ist das Design. Er spiegelt sich nicht nur im gerillten Feld, sondern auch im offensichtlichen Charakter der Bilder als Diptychon-Strukturen wider. Man begegnet der Tatsache, dass zwei Tafeln in enger physischer Verbindung stehen, die sich fast gleich sind, und dass es Linien von ähnlicher Qualität und Art gibt, die jedoch in dem Sinne voneinander getrennt sind, dass sie von einer Tafel zur anderen nicht vollkommen durchgehend sind. Es gibt einen Bruch. Folglich geht es in der Dramatik der Bilder um das daraus resultierende Gefühl des volumetrischen Raums und die Spannung zwischen der Flächigkeit des Bildes als physische Realität und der Wirkung seiner optischen Vitalität auf unser Nervensystem, wie Francis Bacon vielleicht gesagt hat. Was die Musik betrifft, so kann ich mich nicht auf ein Gemälde einlassen, in dem es um Musik geht, obwohl es mich freut zu hören, dass jemand das Gefühl haben könnte, dass die Bilder eine Affinität zur Musik haben. Es gehört zu meinem Arbeitsumfeld, dass ich, wenn ich keine Musik höre, während meiner Arbeit fast sicher an sie denke. Es kann sein, dass Musik ein intuitiv angelegter Bestandteil der Bilder ist. So wie sie in mir ist, kann sie irgendwie in den Bildern auftauchen.

„In Format, Farbe und struktureller Horizontalität konzentrieren sich meine Bilder auf Raum und Licht. Keine Erzählung. Keine Symbolik. Keine Referenz. Keine Darstellung. Sie mögen den Aspekten der Welt und unserer Erfahrung analog sein, aber sie erinnern nicht an Zustände außerhalb ihrer selbst. Ich möchte jedoch, dass sie ein Gefühl von Entschlossenheit und Aufrichtigkeit bedeuten und wecken.“

Mark Harrington